Vorrei iniziare dal tuo ultimo album «Between Hope and Despair». La prima domanda è: come è nato questo progetto?
Il progetto ha iniziato a formarsi nella mia mente intorno al marzo 2023. Ho avuto due esperienze cruciali con amici artisti che stimo e ammiro molto: Mehdi Nassouli e Roy Rosenfeld. Ho avuto la possibilità di trascorrere una settimana con ciascuno di loro nei Paesi Bassi e in Francia. Abbiamo creato musica in studio, alcuni brani sono stati realizzati da zero e altri si basavano su un lavoro già iniziato in precedenza. Durante questo periodo abbiamo parlato molto delle aspirazioni di carriera e di ciò che cerchiamo veramente. All’epoca ero profondamente coinvolto nella Marmoucha Orchestra, ma non ero felice. Sentivo che il tempo mi stava volando via, che la passione che avevo in me per creare il mio suono e per appropriarmi della mia musica mi stava sfuggendo. Vedere che entrambi vivevano un percorso professionale diverso mi ha dato il catalizzatore per correre il rischio e iniziare a pensare al mio quartetto. Essendo abituata al suono dell’orchestra, capivo le difficoltà logistiche che si potevano incontrare in termini di prenotazioni e gestione. Il mio sogno era quello di creare questo suono spumeggiante di un quartetto che fosse allo stesso tempo accessibile e rischioso. Pulito ma anche sporco. All’epoca contattai dei miei amici e spiegai loro il concetto. Non avevo musica. Volevo stimolare le loro menti, piantare il seme e vederlo crescere in loro. Poco tempo dopo ho prenotato lo studio, verso dicembre dell’anno scorso, e ho mosso i primi passi verso la realizzazione.
La seconda domanda riguarda il motivo per cui hai preferito questo titolo per l’album?
È un titolo che è arrivato poco prima della registrazione, a dire il vero. Sono stato coinvolto in una serie di vicissitudini che mi hanno colpito molto. Ho lasciato l’orchestra il 7 ottobre. Quel giorno è scoppiata una guerra nel mio paese. Non mi interessa entrare in politica. Mi interessa esplorare l’individuo e il modo in cui gli eventi influenzano l’anima, le azioni e la coscienza di una persona. Sono rimasto intontito per settimane. Non riuscivo a lavorare. Oscillavo tra la sensazione di completa disperazione e la speranza maniacale di giorni migliori. All’inizio volevo chiamare l’album Echo Chamber, ma il concetto era troppo debole. Non reggeva. Quando ho lasciato che queste due emozioni mi guidassero nel processo di composizione, i brani sono venuti fuori senza sforzo. Ho lasciato che l’album si scrivesse da solo, senza che io mi sedessi nel mezzo del processo.
Mi sembra che una delle tue caratteristiche sia quella di unire suoni diversi: dalla musica classica al jazz alla musica popolare israeliana. Puoi dirci quali sono le tue radici e le tue influenze musicali?
In realtà ho iniziato a produrre trance psichedelica quando avevo undici anni. Sì, molto diverso, ma allo stesso tempo tutto è collegato. Mio cugino all’epoca era un noto produttore trance e mi ha introdotto nel mondo della produzione, del sound design e della struttura di una canzone, che in seguito è diventata una caratteristica fondamentale delle mie composizioni. Ero un ragazzino e non avevo idea del mondo del rave. Andavo alle feste e non capivo perché la gente ballasse senza sosta per dodici ore di fila. Mi sono avvicinato a questa musica grazie all’energia frizzante che mi dava. Mia madre non ci stava. Ne aveva abbastanza del boom boom e della ripetitività di questo stile musicale. Mi costrinse a prendere lezioni di pianoforte quando avevo sedici anni. All’inizio lo odiavo completamente. Pratica? Come sarebbe a dire? Devo sedermi tutti i giorni e fare esercizi su esercizi finché non riesco ad azzeccare una scala, mentre il computer la suona per me? Mi sono ribellato. Non mi importava e non mi esercitavo finché… l’insegnante mi portò la Sonata al chiaro di luna di Beethoven. Rimasi sbalordito dal fatto che, senza effetti, senza plugin e con la sola attenzione ai dettagli e all’abilità, si potesse scrivere qualcosa di così profondo e magnifico. Naturalmente a casa abbiamo sempre ascoltato musica classica, ma l’esperienza di mettere le mani sul pianoforte e sentire la vibrazione delle note mentre le creavo ha fatto nascere qualcosa in me. Dopo qualche mese un mio amico mi chiese se volevo fare un’audizione per una scuola di musica, che sarebbe stata un’attività elettiva nel curriculum scolastico. Non ci ho pensato molto e sono venuto a fare l’audizione. Non avevo nulla da perdere. Sono stata ammessa e l’insegnante non riusciva a credere che avessi suonato il pianoforte solo per tre mesi. In quel corso regionale ho iniziato a entrare in contatto con il jazz e l’improvvisazione. Lo trovavo bello, ma vedevo il jazz come troppo caotico e eccessivo. Non lo capivo. Finché… c’è un tema qui haha – sono andato a un concerto di Omer Avital con Jay Hernandez. Lui suonava nella sala concerti della scuola con un giovane pianista di nome Omri Mor.
Il modo in cui hanno costruito i groove, le sequenze, la comunicazione e la sorpresa mi ha lasciato senza fiato. Non potevo crederci. L’effetto fu più forte del mio primo incontro con la trance psichedelica. Tornai a casa e iniziai a esercitarmi in modo ossessivo. Consumai jazz senza sosta e sacrificai qualsiasi vita sociale solo per arrivare a quel suono che avevo sentito in quel concerto. Ora una cosa sulle mie influenze: Israele è un melting pot. Ci sono ebrei provenienti dall’Europa orientale, dall’Europa occidentale, dall’Asia occidentale, dal Medio Oriente e dal Nord Africa, solo per citarne alcuni. Personalmente provengo da una famiglia mediorientale. Mio padre è nato in Iraq e mia madre in Tunisia e sono arrivati in Israele in giovane età, alla ricerca di una vita più sicura. Gli ebrei erano perseguitati in Medio Oriente come in Europa. A causa di questa migrazione di massa, ogni cultura ha portato con sé la propria cucina, i propri modi di fare e, naturalmente, la propria musica. Questo è uno dei motivi per cui la musica popolare israeliana è molto ricca dal punto di vista armonico, melodico e ritmico. Per me costruire ponti tra stili diversi è normale come respirare. Questo è anche uno dei motivi per cui il jazz israeliano ha un suono specifico.
Ci puoi parlare dei musicisti che ti affiancano in questo album?
Ho conosciuto Shayan attraverso il bassista, che ora è l’attuale direttore artistico di Marmoucha, Arin Keshishi. Ho fatto decine di produzioni con Arin e lui mi ha parlato dello studio di Madrid, i Camaleon studios. Ho avuto modo di suonare diverse volte con Shayan attraverso l’orchestra e ho ammirato la sua professionalità e la sua conoscenza della produzione. Antonio l’ho conosciuto attraverso l’orchestra e gli ho chiesto di unirsi a noi. Antonio è un musicista giovane e tenace che sta già facendo passi da gigante nel mondo della musica con il suo sound e il suo approccio. Sapevo che questo team sarebbe stato perfetto per l’album. Nelle settimane precedenti al disco, Arin ha dovuto fare marcia indietro a causa della delicatezza della situazione. Lo capisco. Entrambi proveniamo da Paesi che sono in fermento tra loro e non volevo che si trovasse in pericolo a causa di questo album. Avevo la sensazione che l’album avrebbe ricevuto molta attenzione, ma si è creato un conflitto di interessi con la sicurezza di Arin e la strategia di marketing dell’album. Ciononostante, Shayan si è subito occupato di un sostituto e ha chiamato Ivan Ruiz Machado. Ivan è una creatura soul con un ritmo costante che, se vuole, può far muovere l’intera stanza. È stato meraviglioso vederlo intervenire così rapidamente e fare un lavoro così straordinario.
E l’Orchestra Marmoucha?
È il mio passato. Ho imparato molto e prendo molto sul serio gli insegnamenti di quell’esperienza e ne faccio tesoro. Senza di loro, non sarei stato in grado di crescere in questo modo come musicista, band leader e visionario. Sono grato per quello che abbiamo avuto, ma è il mio passato. C’è un motivo se il parabrezza è più grande dello specchietto retrovisore.
Attualmente vivi in Olanda. Perché hai voluto trasferirti lì?
Vivo ad Amsterdam. Prima ho vissuto a New York per un anno e un mio amico, il grande sassofonista Ittai Weissman, mi ha parlato della scuola e della città. Avevo già visitato la città diverse volte e mi era piaciuta molto l’atmosfera. Mi sono detto: proviamo!. Ho fatto l’audizione al conservatorio nel giugno 2010 e sono stato accettato. La scuola è molto diversificata: 175 Paesi rappresentati e tutti con un unico obiettivo: la musica. Mi è piaciuto molto.
Hai collaborato, e collabori tuttora, con numerose orchestre. C’è qualcosa in particolare che ti lega alle orchestre?
Innanzitutto le possibilità. Con le orchestre sono come un bambino in un parco giochi. Posso immaginare scene della natura e dipingerle di conseguenza. Posso immaginare un suono artificiale e crearlo. Tutto sommato è una questione di frequenze e di stratificazione. Lo vedo come un fenomeno fisico. In secondo luogo, è come un organismo vivo che appare davanti a me. Mi piace lavorare con ogni sezione e tirare fuori il meglio da ogni musicista. È un lavoro di squadra che crea un suono completamente nuovo. Terzo: la reazione del pubblico. È sempre positiva in termini di story telling e sound design.
Come si inserisce questo tuo ultimo disco nel tuo percorso artistico? È un obiettivo che volevi raggiungere?
Ho sempre voluto scrivere per un ensemble più piccolo. Come pianista, ho sempre visto il pianoforte come un’orchestra completa. Dopo aver lavorato con le orchestre, ho capito come poterlo trasporre in un ambiente più piccolo e mantenere comunque quel grande suono indipendentemente dalla strumentazione. È sicuramente un obiettivo che volevo raggiungere. Ora lo vedo in modo diverso, perché voglio anche che sia popolare e accessibile. Questo ha un impatto sulla produzione e sulla composizione, ovviamente.
Qual è il tuo background culturale?
Mio padre viene dall’Iraq e mia madre dalla Tunisia. I miei genitori provenivano da famiglie dell’alta società nella loro terra d’origine, ma hanno dovuto ricominciare da zero in Israele. Ci hanno educato alla letteratura, alle belle arti e allo sport. La musica è sempre stata presente, ma io sono l’unico musicista professionista di tutta la mia famiglia.
Vuoi parlarci di Musical Makers?
Alla fine del 2020 ho avuto un incontro casuale con il direttore di un grande teatro musicale qui nei Paesi Bassi, DeLaMar. Ci incontriamo di tanto in tanto per vedere se possiamo sviluppare qualcosa insieme. Amo le produzioni teatrali e trovo che i musical, se scritti bene, siano un’esperienza avvolgente. Dopo aver ascoltato alcuni dei miei ultimi lavori, mi ha chiesto se mi sarebbe piaciuto unirmi a questa nuova esperienza chiamata Musical Makers. Lì ho imparato molto sulla composizione per testo, sulla narrazione e sullo sviluppo delle scene. Il percorso è durato da gennaio 2021 a ottobre 2023.
So che ti occupi anche di formazione. Quali consigli dà ai suoi studenti?
Comporre. Non importa cosa, componi. Non preoccupatevi se è buono o meno. Attraverso la composizione si trova davvero la propria voce.
Qual è stato il tuo approccio alla musica e quando hai pensato di diventare un musicista professionista?
Il mio approccio è sempre stato quello di esercitarmi e studiare il più possibile. Non si finisce mai. C’è sempre qualcosa da scoprire e da mettere fuori dalla propria zona di comfort. Ho pensato di diventare un musicista professionista quando avevo circa diciassette anni. Volevo viaggiare e vedere il mondo attraverso quel filtro.
Quali sono gli artisti (non solo musicisti) che l’hanno maggiormente influenzata?
Beethoven, Brad Mehldau, Chopin, Carl Gustav Jung, Oscar Wilde, Bach, Miles Davis, Rachmaninoff.
Come si è evoluto il tuo sound nel tempo? Cosa hai fatto per trovare e sviluppare il tuo suono?
Compongo e ascolto il più possibile. Ho anche trascritto un’enorme quantità di musica e questo mi ha insegnato ad ascoltare i piccoli dettagli e a far emergere il suono esatto che sto cercando.
Qual è il tuo rapporto con il pubblico?
Sempre accomodante. Penso sempre al viaggio all’interno della musica. Non necessariamente uno show case di canzoni, ma un viaggio con la narrazione di una storia. Deve esserci una differenza intrinseca tra l’album e lo spettacolo dal vivo. Nel live la gente vuole vivere un’esperienza integrale che valorizzi la musica che ha ascoltato nell’album.
Quali sono i tuoi progetti futuri?
Per ora suoneremo con il quartetto in due posti, l’8 dicembre a Verkadefabriek e il 9 gennaio al Bimhuis. Entrambi nei Paesi Bassi. Attualmente sto lavorando a un album da solista con l’etichetta neo classica TRPTK, che sarà registrato all’inizio del 2025. Un lavoro molto eccitante.
Alceste Ayroldi
