Tre musicisti con profonde radici nel free jazz, fonte di ispirazione dapprima e di percorso di forma – zione in seguito, che quello spiri – to libero hanno metabolizzato e fatto proprio. Le prime gesta di Monico risalgono al 1971 quando, giovanissimo, entrò a far parte del Gruppo Contemporaneo, forma – zione storica del free jazz italiano. Luppi a sua volta, cinque anni dopo, avviò la sua carriera militando nell’Orchestra Democratica e il Collettivo Musicale Milano. Quanto a Joe Fonda, basterebbero i nomi di Anthony Braxton, Oliver Lake e Wadada Leo Smith presenti nel suo curriculum per misurarne la statura. Oggi con decenni di attività alle spalle, i tre si trovano assieme dando forma a una musica sobria, scevra da furori d’altri tempi, ricca di accenti melodici e cosparsa di molteplici rimandi alle esperienze personali e alle passioni che condividono. Una scelta saggia visti i risultati e magari sarà per questo che il trio si è battezzato così. Oltre al – le doti tecniche indubbie, è proprio questo sentire comune che rende semplice l’intesa, anzi la comunione d’intenti, dando modo a ciascuno di essere al tempo stesso solista, partner e semplice accompagnatore. Da queste premesse sono scaturite otto improvvisazioni molto ben strutturate, metà in studio e metà catturate in concerto, che tengono sempre viva l’attenzione dell’ascoltatore. In alcuni casi, per esempio nella deliziosa Wisdom (qui Luppi è al flauto) è davvero difficile credere che non si tratti di composizioni interamente scritte, complice la ripetizione ben calibrata di alcune frasi. Ammirevole il suono ro – tondo, di grande presenza eppure discreto di Fonda, il tocco fine e il ritmo puntuale di Monico, così come il delizioso gioco armonico elaborato da Luppi, che con disinvoltura passa di brano in brano da un sassofono all’altro oppure al flauto. Nel complesso vige una grande omogeneità di risultati, ma volendo scegliere si lasciano preferire i brani in concerto per via di una maggiore tensione; è però questione di lana caprina. Un plauso alla coraggiosa etichetta belga di Gent, dedita alla musica improvvisata e giunta con grande determinazione a oltre cento dischi pubblicati.
Fucile
recensione pubblicata sul numero di novembre 2023 della rivista Musica Jazz
Il “Premio Giorgia Mileto”, giunto alla sua quinta edizione, è rivolto alla scoperta di giovani musicisti di talento, nell’ambito del Jazz e del Pop-Rock. I vincitori avranno infatti l’opportunità di frequentare i percorsi pre-accademici e accademici di primo e secondo livello del Saint Louis, Istituto AFAM riconosciuto dal MUR, usufruendo di importanti agevolazioni sulla quota – dal 40% fino al 100% della quota annua – per un valore annuo di ciascun premiato compreso fra 2.000 e 4.500 euro.
Il Bando è aperto a musicisti, cantanti e songwriter. Per partecipare alle selezioni non è necessario essere già iscritti al Saint Louis. Saranno assegnate le seguenti borse di studio:
2 borse di studio (da 2.000 a 3.500 euro) per il Dipartimento di Pop (basso, batteria, chitarra, pianoforte, canto, songwriting);
2 borse di studio (da 2.000 a 3.500 euro) per il Dipartimento di Jazz (basso, batteria, canto, chitarra, pianoforte, sax, violino);
2 borse di studio (da 2.500 a 4.500 euro) per contrabbasso Jazz;
2 borse di studio (da 2.500 a 4.500 euro) per tromba Jazz;
2 borse di studio (da 2.500 a 4.500 euro) per trombone jazz
Le borse di studio saranno assegnate tramite audizioni, che si svolgeranno in un concerto dal vivo in un locale/club di Roma, con una sezione ritmica residente di musicisti professionisti. Il Premio Giorgia Mileto Ufficio Stampa dal 2002, Giorgia Mileto si è occupata con dedizione e passione all’organizzazione della didattica, degli eventi musicali e di tutte le attività del Saint Louis, profondamente coinvolta nella crescita non solo dell’Istituto AFAM, ma anche dei tanti allievi che negli anni lo hanno frequentato, accompagnandoli fin dai primi passi sul palco e sostenendoli nella loro crescita professionale.
Per questo il Saint Louis, in accordo con la famiglia Mileto, ritiene che il miglior modo per ricordare la cara amica e collega Giorgia sia premiare il talento e la dedizione verso la musica di giovani musicisti, promuovendo, ogni anno, l’istituzione di borse di studio che consentano ad allievi meritevoli di proseguire il proprio percorso di formazione musicale nell’ambito dei corsi accademici di I e II livello. Come partecipare alle selezioni Possono partecipare al “Premio Giorgia Mileto” tutti i musicisti che al 10 giugno 2024 non abbiano compiuto 28 anni.
Il premio è diviso in due categorie: Ordinaria, tutti i musicisti che al 10 giugno 2024 non abbiano compiuto 28 anni e che al 10 giugno 2024 siano maggiori di 17 anni. Under 18, tutti i musicisti che al 10 giugno 2024 non abbiano compiuto 18 anni.
Compilare entro il 1 maggio 2024 il form-online, presente nella pagina del sito Saint Louis dedicata:https://www.slmc.it/news/borse-di-studio-giorgia-mileto-2024/
Sono richiesti curriculum vitae e almeno una demo (file audio o video). Sulla base del materiale ricevuto, la Commissione selezionerà i candidati per le successive audizioni.
Le audizioni si terranno nel mese di giugno 2024 con una band/orchestra residente a supporto di tutti i candidati. Termini per la presentazione della candidatura: dal 1 marzo al 1 maggio 2024 Risultati delle Pre-selezioni: entro il 31 maggio 2024 Audizioni per assegnazione borse: giugno 2024 presso un locale/club di Roma. Le audizioni si svolgeranno dal vivo con un repertorio scelto dal candidato. La Commissione potrà assegnare uno o più brani obbligatori.
Da quest’anno il Saint Louis per il Premio Giorgia Mileto edizione 2024 mette a disposizione un fondo pari a € 25.000 anche grazie al prezioso contributo di SIAE.
Bretone, indipendente per natura e formazione e molto fiero di esserlo. Con una cifra e un’estetica originali per cui è arduo applicare un’etichetta o rinchiudere in un genere la sua proposta sonora. Tre album da leader sgranati nel giro di una quindicina d’anni – oltre a una manciata di partecipazioni a progetti altrui – per il suo quarto capitolo discografico Yvan Knorst schiera una formazione insolita, senza sezione ritmica. E lo fa scegliendo come compagni di viaggio lo specialista di clarinetto basso Le Dro, suo storico partner, e l’eccellente violinista Duperret. «La folie des passions» è un leggiadro e danzante dialogo in trio che ha la grazia antica di un minuetto. Un lavoro cameristico di charme in cui la chitarra del leader, che alterna strumento acustico ed elettrico, con i suoi arpeggi eleganti tesse la trama di un mondo le cui coordinate spazio-temporali sono assai sfumate. Siamo dalla parte di melodie che guardano alla tradizione celtica (il brano che dà il titolo al disco), con echi della Penguin Cafe Orchestra, del minimalismo di René Aubry in versione acustica (quello di «Plaisirs d’amour», per intenderci) e anche lontani odori dell’India stile Shakti di John McLaughlin. Non mancano poi ballate rasserenanti (Chrisopaline), tanghi stilizzati (Tango Bach) e momenti folk-jazz. Un gioiellino tutto da scoprire.
Franchi
recensione pubblicata sul numero di novembre 2023 della rivista Musica Jazz
Ciao Ingi, benvenuto a Musica Jazz. Prima di tutto, vorrei presentarti al pubblico italiano. Ci parleresti del tuo background culturale? Mi chiamo Ingi Bjarni Skúlason. Sono islandese, nato nel 1987. Quando avevo 2 anni, la mia famiglia ha vissuto in Svezia, dove siamo rimasti per 5 anni. Poi siamo tornati in Islanda, dove sono cresciuto. Ho terminato la scuola ginnasiale in Islanda, insieme agli studi di pianoforte jazz alla Tónlistarskóli FÍH di Reykjavík. Poi sono andato all’estero e ho studiato per il mio bachelor a Den Haag, nei Paesi Bassi (2012-2016). Da lì, ho conseguito un master in improvvisazione/composizione presso l’Università di Göteborg (2016-2018), con semestri di scambio a Copenaghen e Oslo. Naturalmente sono influenzata e plasmata da tutti questi Paesi. Pertanto, mi piace pensare a me stessa come a un’artista internazionale proveniente dall’Islanda.
Dove vivi ora? Vivo a Reykjavík, in Islanda.
Come nasce il tuo trio? Avevo già incontrato il bassista faroese Bárður Reinert Poulsen quando ho suonato a Trondheim, in Norvegia, allo Young Nordic Jazz Comets nel 2013 con il mio primo trio (Skarkali). Tre anni dopo, nel 2016, Bárður e io abbiamo parlato di fare un progetto insieme, una collaborazione tra Islanda e Isole Faroe. Abbiamo pensato di invitare il batterista islandese Magnús Trygvason Eliassen a unirsi a noi. Nel 2017 abbiamo tenuto i primi concerti a Summartónar, nelle Isole Faroe, e più tardi, nello stesso anno, abbiamo disco il trio Fundur. L’album è stato pubblicato nel 2018 dall’etichetta americana Dot Time Records.
Ingi Bjarni Trio
Prima di parlare del vostro ultimo album, vorrei parlare con te di «Suburb». La prima domanda è: perché hai scelto l’Ep come formato invece dell’album? Be’, «Fragile Magic» è l’intero album, che uscirà il 21 marzo di quest’anno. Ho deciso di adottare una strategia di pubblicazione chiamata waterfall release strategy per le piattaforme di streaming. Si tratta di pubblicare più versioni di una canzone o di un album in più fasi. Ho pubblicato una canzone dall’album completo ogni mese e «Suburb» è la quarta e ultima versione prima dell’album completo. Questo dovrebbe migliorare l’algoritmo o qualcosa del genere per Spotify, ma finora non credo che abbia avuto successo. Sono stanco di tutte queste questioni legate a Spotify, come le playlist ad esempio.
Parlando di «Farfuglar», qual è il significato, il messaggio di questo album? «Farfuglar», ovvero uccelli viaggiatori, è una raccolta di composizioni originali con il mio quintetto. L’idea alla base dell’album è che anche quando viaggiare è difficile, possiamo sempre viaggiare come esploratori della musica! Inoltre, possiamo connetterci attraverso la musica, anche se siamo lontani.
Passi dal trio al quintetto, al piano solo. Sei alla ricerca di un suono particolare? Quale formazione pensi si adatti meglio alle tue composizioni? Il mio problema principale come artista è che compongo troppa musica, che ci crediate o no! Di conseguenza, sento il bisogno di esplorare varie formazioni per esprimermi: assolo, trio, quartetto e quintetto. Forse ho trovato in qualche modo il mio suono, ma credo di dover continuare a cercarlo. Questo viaggio è continuo; non c’è mai una destinazione finale nella musica e nell’improvvisazione. Tuttavia, è utile avere queste formazioni con cui sperimentare. Non sono sicuro di quale sia la formazione più adatta alla mia musica. Ognuna di esse è diversa e richiede approcci esecutivi differenti. Ma spero che la mia voce e la mia espressione traspaia in qualche modo, indipendentemente dalla formazione del gruppo.
Ingi Bjarni Quintet
Questo è il tuo terzo album in trio. Pensi che in questi anni sia cambiato qualcosa nel tuo modo di comporre e nel tuo approccio al trio? Sì, decisamente! Forse il mio album di debutto e il primo album in trio, «Skarkali», si basava più sull’improvvisazione sui cambi di accordi – il modo tradizionale di improvvisare del jazz. Anche «Fundur» era in qualche modo così, ma le composizioni erano un po’ più complesse. Le improvvisazioni su «Fragile Magic» sono più spesso su vamps o completamente libere. Credo anche di essermi avvicinato alla “mia voce” di compositore in «Fragile Magic» rispetto agli altri album. C’è una certa complessità nella musica, ma rimane accessibile. Permetto alla mia musica di diventare complessa solo se mi sembra naturale. Il mio obiettivo non è comporre musica complessa.
Quanto influiscono le tue radici natali sul tuo modo di concepire la musica? In Islanda c’è indubbiamente una natura bellissima e la cultura è ovviamente diversa da quella dell’Europa continentale. Tuttavia, non credo che questi fattori giochino un ruolo significativo nel mio modo di fare musica. Ciò che mi influenza di più sono le mie esperienze di vita. La musica è il mio modo di affrontare vari aspetti della mia vita: le difficoltà del passato e del presente, i rapporti con le persone e altro ancora.
Quali sono i tuoi riferimenti artistici/musicali? Keith Jarrett, Misha Alperin, Nick Drake, Ahmad Jamal, GusGus, Bob Marley, Wayne Shorter e tutti i tipi di musica popolare.
Nella tua concezione musicale, quanto è importante l’improvvisazione? È molto importante! Molte delle mie composizioni nascono inizialmente come improvvisazioni, che poi perfeziono in composizioni più concrete. L’improvvisazione è anche un modo per liberare la mente. Non posso fare a meno dell’improvvisazione.
Ho letto che presto usciranno altri due album a tuo nome, uno in duo e l’altro in quartetto. Vuoi parlarci di loro? Sì, l’anno prossimo pubblicherò un album in quartetto con il bassista svedese Anders Jormin, il chitarrista islandese Hilmar Jensson e il batterista islandese Magnús Trygvason Eliassen (lo stesso batterista del trio). Sarà un album molto emozionante da pubblicare! Si tratta di grandi musicisti. Il progetto del duo è molto personale per me. Sarà un concept album. La musica è pronta, ma non ho ancora capito con chi vorrei suonare e registrare l’album. Quindi questo progetto è per il futuro.
Hai mai suonato in Italia? No, non ufficialmente. Ma molti anni fa, ho partecipato al Berklee at Umbria Jazz Clinics a Perugia. Lì ho suonato con un ensemble che faceva parte del workshop. Quindi sì, in un certo senso ho suonato in Italia!
Ho notato che non ci sono molti tuoi video su YouTube. È una tua scelta? Hai mai pensato di realizzare un videoclip con la tua musica? Ci sono alcuni video in cui compare soprattutto il mio quintetto. In quei video suoniamo brani di Farfuglar. Fare video non è mai stato un mio obiettivo, ma mi piacerebbe farne altri.
Ingi Bjarni Quartet
In generale, qual è il tuo rapporto con le piattaforme sociali e di streaming? Ho sentimenti contrastanti al riguardo. Cerco di essere attivo sui social media, di postare sulle cose che faccio, ecc. Ma mi sembra che richieda molto tempo, quasi come un lavoro a tempo pieno. Un musicista al giorno d’oggi ha così tanti ruoli da ricoprire: fare musica, esercitarsi, prenotare concerti, gestire i social media, fare video, insegnare… la lista è infinita. È impossibile fare tutto. Per quanto riguarda le piattaforme di streaming, è difficile. Per esempio, non amo molto Spotify. Ma è quello che usa la maggior parte delle persone, quindi ovviamente metto la mia musica lì. Anche se non sono molto conosciuto a livello internazionale, credo che la mia unica scelta sia quella di avere la mia musica disponibile in quanti più posti possibile.
Oltre ai prossimi album, quali sono i tuoi prossimi obiettivi artistici? Un obiettivo che ho sempre è quello di fare più concerti! Forse non ci sono molte opportunità in Islanda, quindi cerco di prenotare concerti con i miei progetti in altri Paesi. Ma ad essere onesti, è una vera e propria lotta. Tuttavia, quest’anno farò alcuni concerti nelle Isole Faroe e in Germania. E se tutti i piani vanno bene, potrei suonare in Giappone con il mio quintetto! Oltre ai miei obiettivi concertistici, voglio lavorare di più sullo sviluppo del mio materiale per pianoforte solo. Il mio obiettivo è fare musica che non sia tanto associata al jazz, più che altro musica senza genere.
Alceste Ayroldi
Al via domenica 7 aprile l’attesissima 3a edizione del Festival “Jazz Idea” del Conservatorio Santa Cecilia di Roma, con la direzione artistica di Carla Marcotulli, cantante e docente di Canto Jazz presso il Conservatorio. Dopo il successo delle prime due edizioni, il festival prosegue presentando al pubblico 12 concerti a ingresso libero, articolati in 6 domeniche consecutive fino al 19 maggio. Protagonisti, come da tradizione, nomi affermati del jazz italiano e internazionale accanto ai giovani talenti provenienti dal Dipartimento Jazz del Conservatorio, che si esibiranno sul palco della bellissima Sala Accademica del Conservatorio, caratterizzata da una delle migliori acustiche al mondo e dal Grande Organo Walcker-Tamburini. Obiettivo del Festival Jazz Idea è la creazione e lo sviluppo di nuove idee musicali, attraverso il dialogo tra tradizione e nuovi linguaggi. L’edizione 2024 è dedicata a Duke Ellington, di cui ricorrono i 50 anni dalla scomparsa avvenuta il 24 maggio 1974.
Ágnes LakatosTibor Csuhaj-Barna
Tra gli artisti in cartellone: la cantante statunitense Michele Hendricks – maestra del vocalise e dello scat, il duo ungherese voce-contrabbasso Agnes Lakatos e Tibor Cshuhaj, il sassofonista Rosario Giuliani con il contrabbassista Stefano Cantarano, il sassofonista Pietro Tonolo e il chitarrista Fabio Zeppetella, il sassofonista Maurizio Giammarco ospite della big band MuSa dell’Università La Sapienza diretta da Roberto Spadoni, il quartetto di sassofoni Arundo Donax con Mario Raja, Pasquale Laino, Pietro Tonolo e Rossano Emili con ospite il soprano Federica Raja, il sassofonista Patrizio Destriere con un omaggio a Ennio Morricone e la big band di Santa Cecilia diretta da Mario Corvini con il coro del Dipartimento Jazz diretto da Carla Marcotulli per i celebri Concerti Sacri di Duke Ellington.
Michele Hendricks
Inaugura la 3° edizione del festival, domenica 7 aprile alle ore 18.00, la cantante, compositrice e arrangiatrice statunitense Michele Hendricks, figlia del noto cantante e paroliere Jon Hendricks, uno dei fondatori della celebre band Lambert, Hendricks e Ross. Oltre alla fitta collaborazione con suo padre, Michele Hendricks ha cantato con nomi del calibro di Manhattan Transfer, Al Jarreau, Bobby McFerrin, Herbie Hancock, George Benson, Buddy Rich, Stan Getz, Count Basie, Benny Golson e Clark Terry, e svolge una carriera solistica con tour internazionali tra USA, Giappone e Europa, e con la pubblicazione di alcuni album tra cui A Little Bit Of Ella registrato con The Tommy Flanagan Trio, insignito del premio Best Jazz Vocal 2016 dall’Académie du Jazz in Francia. Come suo padre Jon Hendricks, Michele scrive testi e composizioni fantastici. Sul palco del Festival Jazz Idea, arriverà con una band formata da Ruben O.J. Pompei – sassofono, Andrea Beneventano – piano, Stefano Cantarano – contrabbasso, Ettore Fioravanti – batteria. A Jazz Idea, la sua esibizione è anticipata dal concerto di Gabriele Di Nucci & Platform Twelve, con un repertorio di brani originali, composti ed arrangiati dal chitarrista Gabriele Di Nucci. Il progetto si pone l’obiettivo di unire il linguaggio jazzistico ad un materiale moderno e slegato dalla tradizione attraverso un attento lavoro sui timbri e sulle forme, mettendo in rilievo l’identità artistica del compositore e le individualità del gruppo composto da Martha Deribe alla voce, Dario Fagiolo al sax soprano, Andrea Cardone al sax tenore, Marcello Sanzò alla tromba, Camil Kieltyka al contrabbasso e Alessio Maimone alla batteria.
Gli altri concerti Il 14 aprile aprirà il pomeriggio il Santa Cecilia Saxophones Ensemble diretto da Rosario Giuliani, seguito da “Armonie condivise”: progetto in quartetto di Giuliani e Stefano Cantarano, con Vittorio Solimene al pianoforte e Sasha Mashin alla batteria. Il 21 aprile sarà la volta di un interessante duo ungherese Voice&Bass, con la cantante Agnes Lakatos e il contrabbassista Tibor Cshuhaj, seguito dal live dedicato a Duke Ellington della Big Band MuSa (Musica Sapienza): una collaborazione tra l’Università La Sapienza di Roma ed il Conservatorio di Santa Cecilia, diretta dal M° Roberto Spadoni con ospite Maurizio Giammarco. Sul palco il 5 maggio la cantante Elena Camerin Young con The creative voice workshop e il Francesco D’Errico 4et con Ellington Prospective: line up Giulio Martino – sassofoni, Francesco D’Errico – pianoforte, Pietro Leveratto – contrabbasso, Ettore Fioravanti – batteria. Il 12 maggio in concerto Pietro Tonolo e Fabio Zeppetella con il loro “Workshop”, seguiti dal quartetto di sassofoni Arundo Donax con Mario Raja, Pasquale Laino, Pietro Tonolo e Rossano Emili; ospite il soprano Federica Raja. La domenica conclusiva della 3a edizione di Jazz Idea, il 19 maggio, sarà caratterizzata dalle preziose dediche a due grandi leggende della musica. Il primo progetto è Portrait of Ennio, omaggio a Ennio Morricone del sassofonista Patrizio Destriere con Claudio D’Amato al piano, Damiano Lanciano al contrabbasso, Giampaolo Scatozza alla batteria. In conclusione, la big band di Santa Cecilia diretta dal M° Mario Corvini e il coro del Dipartimento Jazz diretto dal M° Carla Marcotulli, eseguiranno i Sacred Concerts di Duke Ellington.
Masterclass Come sempre il Festival Jazz Idea organizza una serie di Masterclass condotte da critici musicali e docenti del panorama jazz italiano rivolte agli studenti del Conservatorio di Santa Cecilia. In programma per l’edizione 2024: – lunedì 8 aprile ore 11-13SCAT! condotta dalla cantante Michele Hendricks – sabato 13 aprile ore 14-17Autopromozione per musicisti condotta da Fiorenza Gherardi De Candei, ufficio stampa e docente di comunicazione e music business. – sabato 20 aprile ore 14-17 Interplay condotta dal duo ungherese voce-contrabbasso Agnes Lakatos e Tibor Csuhaj Barna – sabato 27 aprile ore 11-16 Parole Cantate – Studio e analisi tra liriche e musica nel repertorio jazzistico condotta dal cantante Giuseppe Creazzo – venerdì 3 e sabato 4 maggio ore 15 The creative voice workshop condotta dalla cantante Elena Camerin Young (aperto a tutti) – venerdì 10 maggio ore 14 Improvvisazione: Ritmo e Melodia condotta dal sassofonista Pietro Tonolo – lunedì 20 maggio ore 12 Lezione-concerto del pianista, cantante e arrangiatore Mario Donatone sul suo saggio Blues che viaggiano in prima classe. CONTATTI Conservatorio di Musica “Santa Cecilia” Via dei Greci 18, Roma – tel. 06.36096720 – www.conservatoriosantacecilia.it
Un camerismo finissimo e nel contempo di estrema concretezza, mai spocchioso o estenuato, anzi spesso robusto, rigoglioso, anche nervoso, attraversa questo splendi – do album, tutto giocato nel segno di un felicissimo gioco a rimpiattino fra il trio del cinquantenne newyorchese Quinsin Nachoff, il cui sax tenore ne costituisce il fisiologico centro di gravità, e il quartetto d’archi Bergamot (pure doppiato nella seconda delle tre ampie pagine su cui il cd si svolge, Pendulum), su temperature e angolazioni prospettiche che riportano alla mente certi lavori degli anni Ottanta dell’ucraino Anatoly Vapirov, lui pure di professione tenorsassofonista. Tutto procede molto compatto, logicissimo e lucidissimo, di una consequenzialità stringente, eppure mai ridondante, pur appunto in un clima di base molto coeso, autoassertivo, quasi monolitico, venendo a rappresentare un tota – le piacere di ascolto, proprio nel suo essere fortemente concettuale eppure fruibilissimo, sempre strutturalmente solido, privo di sbavature o deroghe al dettato di base. Chi intende il jazz contemporaneo come un qualcosa in convinto movimento, fuori da schemi troppo rigidi e quindi limitanti, troverà generosamente pane per i suoi denti.
Bazzurro
recensione pubblicata sul numero di novembre 2023 della rivista Musica Jazz
DISTRIBUTORE
quinsin.com
FORMAZIONE
Quinsin Nachoff (ten.), Mark Helias (cb.), Dan Weis (batt.), Bergamot Quartet: Ledah Finck, Sarah Thomas (viol.), Amy Huimei Tan (viola), Irène Han (cello); The Rhythm Method: Josh Henderson, Erica Dicker (viol.), Leah Asher (viola), Meaghan Burke (cello) agg. in un brano; Matt Holman (cond.).